Obra de Emygdio de Barros, um dos pacientes mais ilustres do Engenho de Dentro (Foto: Museu de Imagens do Inconsciente)
Arte e saúde

Arte e saúde mental: uma relação histórica no Brasil

Yasmin Abdalla
27 mar 2020, 17h37

Além da preocupação em manter a integridade física – individual e comunitária –, outra questão surge em tempos de pandemia mundial: como garantir uma mente sã durante a quarentena? A livre expressão dos sentimentos e do inconsciente por meio das práticas artísticas e corporais pode fazer parte da solução.

Pelo menos foi o que descobriu a psiquiatra e terapeuta Nise da Silveira em meados dos anos 1940. Única mulher em sua turma de medicina na Faculdade da Bahia, a alagoana foi precursora no uso de atividades artísticas e musicais como método de tratamento psiquiátrico. Na época, eletrochoques e cirurgias cerebrais eram utilizados para pacientes com distúrbios mentais sérios como esquizofrenia. Ao começar a trabalhar no Centro Psiquiátrico Nacional Pedro II (atual Instituto Municipal Nise da Silveira), no bairro de Engenho de Dentro, Rio de Janeiro, a médica recusou-se a aplicar tratamentos desse tipo e, portanto, foi transferida para um setor até então sem prestígio dentro do hospital: o da terapia ocupacional. Seu trabalho envolvendo práticas artísticas revolucionou a área e, em 1946, Nise fundou oficialmente a Seção de Terapêutica Ocupacional, no Engenho de Dentro.

“Quando Nise da Silveira chega ao Centro Pedro II, ela fica muito comovida com a situação daquelas pessoas. E de forma muito sensível, vai percebendo nos gestos e no comportamento corporal dos pacientes uma vontade de se comunicar com o restante do mundo. A partir daí, ela oferece pincéis, tintas e argilas para dar materialidade àquelas expressões individuais. Isso mostrou que todos tinham algo a expressar, inclusive os pacientes com casos mais complexos,” conta à SP-Arte Eliane Dias Castro, terapeuta ocupacional, mestre em artes e professora no Programa de Pós-Graduação Interunidades em Estética e História da Arte da Universidade de São Paulo.

Acima: Obra de Emygdio de Barros, um dos pacientes mais ilustres do Engenho de Dentro (Foto: Museu de Imagens do Inconsciente)

Faculdade de Medicina da Bahia, 1921-1926 (Foto: Arquivo Nise da Silveira)

Faculdade de Medicina da Bahia, 1921-1926 (Foto: Arquivo Nise da Silveira)

Obra de Emygdio de Barros (Foto: Museu de Imagens do Inconsciente)

Obra de Emygdio de Barros (Foto: Museu de Imagens do Inconsciente)

Emydgio de Barros pintando no jardim do Centro Psiquiátrico (Foto: Arquivo Nise da Silveira)
Nise da Silveira no Engenho de Dentro (Foto: Arquivo Nise da Silveira)

Emydgio de Barros pintando no jardim do Centro Psiquiátrico (Foto: Arquivo Nise da Silveira)

Nise da Silveira no Engenho de Dentro (Foto: Arquivo Nise da Silveira)

Com ajuda de artistas e críticos de arte da época, como Almir Mavignier – quem também trabalhava no Engenho de Dentro –, Abraham Palatnik, e Mário Pedrosa, ela organiza ateliês de pintura e escultura no Centro Psiquiátrico, um grupo de pesquisa para refletir sobre os sentidos daquela produção simbólica, e passa a catalogar os trabalhos que se tornam cada vez mais abundantes. Quanto mais seus pacientes se sentiam confiantes, mais produziam. Nesse processo, Nise faz uma importante interlocução entre as teorias artísticas e os conceitos psicanalíticos de Carl Jung, com quem se correspondia.

Com tantas produções artísticas em mãos, Nise e seus colaboradores decidiram expô-las. Em 1946, a terapeuta promove a primeira mostra com trabalhos de seus pacientes, no próprio Centro Psiquiátrico. Em 1947, os artistas do Engenho de Dentro ganham sua primeira exposição externa, na sede do Ministério da Educação e Cultura, no Rio. Mário Pedrosa, então crítico do jornal “Correio da Manhã”, ao se deparar com os trabalhos ali exibidos, afirmou: “As imagens do inconsciente são apenas uma linguagem simbólica que o psiquiatra tem por dever decifrar. Mas ninguém impede que essas imagens e sinais sejam, além do mais, harmoniosas, sedutoras, dramáticas, vivas ou belas, enfim constituindo em si verdadeiras obras de arte”.

Sem título (1848), Raphael Domingues (Foto: Arquivo Nise da Silveira)
Capa do catálogo da exposição "9 artistas de Engenho de Dentro do Rio de Janeiro", em outubro de 1949 (Foto: Fundação Bienal)

Sem título (1848), Raphael Domingues (Foto: Arquivo Nise da Silveira)

Capa do catálogo da exposição "9 artistas de Engenho de Dentro do Rio de Janeiro", em outubro de 1949 (Foto: Fundação Bienal)

Fotos da exposição "9 Artistas de Engenho de Dentro", em 1949, no Museu de Arte Moderna de São Paulo (Foto: Arquivo Nise da Silveira)

Fotos da exposição "9 Artistas de Engenho de Dentro", em 1949, no Museu de Arte Moderna de São Paulo (Foto: Arquivo Nise da Silveira)

Sem título (1953), Adelina Gomes (Foto: Arquivo Nise da Silveira)

Sem título (1953), Adelina Gomes (Foto: Arquivo Nise da Silveira)

Vale lembrar que a expressão do inconsciente é algo que já interessava o sistema das artes naquele momento, sobretudo por influência das teorias freudianas e por movimentos como o Surrealismo. O próprio Mário Pedrosa era um curioso do tema e escreveu um artigo sobre as técnicas da Gestalt, o estudo da percepção humana em relação às formas. Esse contexto permitiu que os trabalhos produzidos pelos artistas-pacientes alcançassem espaços de arte institucionalizados. Em 1949, o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP) organiza “9 artistas de Engenho de Dentro do Rio de Janeiro”, que exibe, entre trabalhos de outros pacientes, as obras de Emydgio de Barros, que ganha projeção no cenário artístico e passa a ser acompanhado por Pedrosa e Palatnik, mesmo após ter saído do hospital. Dois anos depois, em 1952, nasce o Museu de Imagens do Inconsciente que consolidou toda produção artística do Engenho de Dentro e ajudou a desenvolver ainda mais as descobertas feitas por Nise da Silveira.

No fim dos anos 1950, uma mudança na produção brasileira e a consolidação de artistas como Lygia Clark e Hélio Oiticica trazem novos questionamentos sobre a relação entre arte e a expressão do eu. “É importante notar que Nise da Silveira – assim como os trabalhos resultantes de sua prática – estão mais articulados com um certo modernismo no Brasil, enquanto esses artistas passam a pensar o contemporâneo no País,” afirma a professora Eliane Dias Castro.

O caso de Lygia Clark é emblemático nesse contexto. Se a doutora Nise da Silveira foi mestre em deslocar a clínica para o campo das artes, a artista soube promover um deslocamento da arte para o campo da clínica. “São dois deslocamento que têm afinidades, pois perturbam a ordem do pensamento vigente, da sensibilidade e da expressão, mas são caminhos diferentes,” formula a professora.

"Ping-pong" (1966), Lygia Clark (Foto: Associação Cultural O Mundo de Lygia Clark)

"Ping-pong" (1966), Lygia Clark (Foto: Associação Cultural O Mundo de Lygia Clark)

Da série "Bichos" (1960) (Foto: Divulgação)
A artista Lygia Clark em seu ateliê no Rio de Janeiro (Foto: Associação Cultural O Mundo de Lygia Clark)

Da série "Bichos" (1960) (Foto: Divulgação)

A artista Lygia Clark em seu ateliê no Rio de Janeiro (Foto: Associação Cultural O Mundo de Lygia Clark)

Nascida em Belo Horizonte, Clark estuda artes em Paris, integra o Grupo Frente e é uma das fundadoras do movimento neoconcreto, que pretendia revolucionar alguns dos conceitos vigentes da época – sobretudo no que diz respeito à corporeidade da obra de arte. Nesse processo formativo, ela abandona a pintura, até então sua principal forma de produção, para criar esculturas tridimensionais, como a série “Bichos” (1960) e os “Trepantes” (1963).

A série “Caminhando” (1964) também é um marco nessa mudança de paradigma na produção da artista. O trabalho consiste em uma proposta sensorial: o espectador sai de uma posição passiva e torna-se um ser ativo no desenvolvimento da obra ao cortar uma fita de moebius longitudinalmente, até esgotar todas as trajetórias possíveis. A materialidade da obra passa a ter uma importância secundária, e o ato do participante torna-se indispensável no processo formativo do trabalho. “O sentido do objeto passa a depender inteiramente de experimentação, o que impede que o objeto seja simplesmente exposto, e que o receptor o consuma, sem que isto o afete. O objeto perde sua autonomia, ‘ele é apenas uma potencialidade’, atualizada ou não pelo receptor,” afirma a psicanalista e crítica de arte Suely Rolnik no texto “Lygia Clark e o híbrido arte/clínica”.

Essa proposição sensorial leva Lygia a desenvolver outros formatos de obra como a instalação “A casa é o corpo” (1968), em que uma vivência simbólica é oferecida. O visitante penetra uma estrutura de oito metros de comprimento, e percorre diferentes ambientes que simbolizam as diversas fases da concepção da vida, como “penetração”, “ovulação”, “germinação” e “expulsão”. Nos anos 1970, Lygia volta à Paris e começa a lecionar na Faculté d’Arts Plastiques St. Charles, na Sorbonne, onde continua a experimentar técnicas que transitam entre as artes plásticas e a terapia. 

Lygia Clark veste a "Máscara Abismo com Tapa-Olhos" (Foto: Associação Cultural O Mundo de Lygia Clark)

Lygia Clark veste a "Máscara Abismo com Tapa-Olhos" (Foto: Associação Cultural O Mundo de Lygia Clark)

Em meados dos anos 1970, essa experimentação de Clark desemboca em um método terapêutico próprio, a “Estruturação do self”. Nesse processo, a artista trabalha com objetos comuns, como saquinhos de plástico ou pano, cheios de ar; tubos de borracha, canos de papelão, meias etc, denominados “objetos relacionais”. O paciente, a partir dos diferentes pesos, texturas, temperaturas, desenvolve uma conexão com aquele objeto, que passa a existir e ter corporeidade apenas através daquela relação com o sujeito da ação. A proposta do método é, por meio da materialidade do objeto, reviver determinadas sensações gravadas na memória do corpo do participante.

“Por que self? Por que não estruturação do eu? […] O self é a mente mais o corpo, enquanto o eu tem uma instância evidentemente psicológica, puramente mental. Esse conceito de self não está agindo apenas na fase a partir de 1976 até sua morte, em 1988, mas já está presente potencialmente em todos os trabalhos que envolvem diretamente o corpo. Ela não está interessada no corpo em si, em uma body art, ela está interessada no ser inteiro. O self é o ser inteiro, e é ele que está sendo trabalhado em sua potencialidade poética quando a pessoa se envolve em uma das proposições da Lygia Clark.”, afirma em vídeo o curador Paulo Sergio Duarte, um dos responsáveis pela exposição “Lygia Clark: uma retrospectiva”, apresentada no Itaú Cultural, em 2012.

Nise e Lygia, cada uma com sua perspectiva, reforçam a potência terapêutica do processo artístico. “Nise era uma cientista, ela elabora sua obra dessa perspectiva, interseccionando questões da psiquiatria, da psicanálise, mas ela tem uma visão de cientista, de observadora. Lygia é uma artista e seu processo criativo é parte da reflexão teórica a que se propõe. Para as duas o processo é importante, mas Nise é quem observa, quem cuida da integridade daquele método. Já no caso de Lygia, é sua força motriz, o que a mobiliza,” afirma Eliane.

 


WhatsApp Image 2020-03-19 at 13.54.38

Yasmin Abdalla é formada em Jornalismo e Ciências Sociais pela Universidade de São Paulo (USP), com passagens por diversos veículos jornalísticos, como a Editora Abril e o jornal Folha de S. Paulo. Desde 2016, abandonou as redações para dedicar-se à comunicação e à produção de eventos culturais. Atualmente, coordena as áreas de comunicação e conteúdo da SP-Arte e especializa-se em Gestão Cultural pelo Centro de Pesquisa e Formação do SESC-SP.

Perfil SP‑Arte

Assine e fique por dentro dos principais acontecimentos do mundo da arte