A terra como material e poética

O uso da terra como elemento nas artes visuais não é uma novidade. Desde as pinturas rupestres, há milhares de anos, a terra serve como pigmento, suporte e testemunha da relação humana com o mundo. Mas, se nas cavernas ela era instrumento de registro e ritual, na arte contemporânea ressurge como linguagem pictórica, crítica, poética e política — uma forma de reatar laços com o planeta em tempos de esgotamento. É a partir da própria terra como elemento e presença que artistas como Marlene Almeida (Almeida & Dale e Marco Zero), Carla Santana (Quadra) e Tito Terapia (Galatea), assim como a fábrica de tintas artesanais Joules & Joules, encontram matéria e sentido para suas criações.

A Joules & Joules, criada pelos artistas Bruno Dunley (Nara Roesler), Rafael Carneiro (Luciana Brito) e hoje com Daniel Xavier na sociedade, é uma das experiências mais singulares na relação entre arte e material. O trio conduz uma extensa pesquisa sobre a fabricação de tintas e possui uma linha de pigmentos naturais, realizando expedições pelo Brasil em busca de terras coloridas. Cada amostra é um fragmento de território e tempo — o resultado é uma paleta com dez tonalidades distintas, a linha de “terras naturais brasileiras”.

E o projeto vai além da fabricação: a Joules é também um espaço de formação e partilha. Na sede, artistas e pesquisadores participam de cursos e trocas sobre as propriedades dos pigmentos e a alquimia envolvida em transformá-los em tinta. Dunley e Carneiro percorrem universidades e ateliês em diferentes regiões, difundindo um saber que é, ao mesmo tempo, técnico e ancestral. Essa prática se fortalece com o apoio do consultor em tecnologia de materiais de arte Caetano Ferrari, cuja trajetória de pesquisa sobre tintas artesanais inspirou gerações. Ele também é o responsável pela ponte com artistas como Marlene Almeida, que há décadas faz da terra sua principal interlocutora.

O trabalho de Marlene Almeida abriu caminhos para que outros artistas pudessem reconhecer na terra não apenas um material, mas um modo de pensar

— Beatriz Almeida

Marlene é artista, pesquisadora e filósofa. Desde muito jovem, atravessa as fronteiras entre política, ecologia e arte com a mesma naturalidade com que recolhe punhados de terra do solo. Parte da 36ª Bienal de São Paulo, ela é referência incontornável quando se fala em pigmentos naturais no Brasil. Em seu ateliê, abriga o “Museu das Terras Brasileiras”, uma coleção viva que reúne amostras e registros de décadas de “escuta” da terra. Para ela, “a terra não é um arquivo morto nem um simples local de coleta”, mas uma voz de luta, denúncia e ancestralidade. Ao longo da vida, percorreu o país em busca de diferentes formações geológicas, acompanhada do filho, o artista e geólogo José Rufino, e do marido, o engenheiro Antônio Augusto. Foi observando as camadas da Formação Barreiras — que se estende do norte ao sudeste litorâneo e atravessa João Pessoa, sua cidade natal — que Marlene iniciou sua jornada. Ali, entre as falésias e o mar, aprendeu a perceber o solo como corpo e memória. Seu gesto abriu caminhos para que outros artistas pudessem reconhecer na terra não apenas um material, mas um modo de pensar.

Entre esses artistas está Carla Santana, que também faz da terra o ponto de partida de uma poética expandida. Em sua prática, pintura, performance e escultura se entrelaçam como desdobramentos de um mesmo movimento de deslocamento e escuta. Na SP-Arte Rotas 2025, apresentou, com Gilson Plano, na galeria Quadra, trabalhos resultantes de uma viagem por territórios geológicos de Minas Gerais — uma espécie de travessia em que o ato de caminhar e coletar tornou-se parte do processo criativo. Carla iniciou sua pesquisa em pigmentos naturais em uma residência no Sertão Negro, em Goiás, organizada por Dalton Paula (Cerrado e Martins&Montero), e desde então constrói uma relação com a coleta e o preparo da terra como pigmento. Recentemente, passou por Marrocos e Portugal, onde aprofundou seu olhar sobre a presença da terra nos espaços públicos e nas construções arquitetônicas. Em Marrakech, percebeu como a cor do solo molda a arquitetura urbana; no Algarve, encontrou diferentes tonalidades na paisagem. Sua investigação se volta à pergunta: onde a terra se manifesta? Em que medida ela é cultura, tecnologia e sociedade? Cada amostra recolhida é também uma narrativa territorial.

Essa percepção de continuidade entre lugar e cor também atravessa o trabalho de Tito Terapia, artista da Zona Leste de São Paulo. “Vi aquele pigmento verde no trabalho da Carla Santana e pensei: queria encontrá-lo”, conta. O desejo de encontrar uma cor, um tom específico de terra, revela a dimensão afetiva e quase mística dessa busca. O artista também participou da SP-Arte Rotas com um solo no estande da galeria Galatea. Tito iniciou sua trajetória na pixação, gesto urbano e coletivo que logo se expandiu para a pintura em tela. A partir do convívio com artistas como Rodrigo Andrade (Almeida & Dale) e Link Museu (Izabel Pinheiro), começou a pintar ao ar livre e investigar pigmentos naturais, criando tintas a partir das terras coletadas em sua própria vizinhança.

Para Tito Terapia, coletar, moer e misturar terras é uma forma de resistência e preservação da memória de lugares que desapareceram

— Beatriz Almeida

No Ateliê da Rapa, com Evandro Cesar e Link Museu, produz tintas a partir de solos da cidade, sobretudo da Zona Leste. Cada cor carrega fragmentos de um território ameaçado pela especulação imobiliária. Coletar, moer e misturar essas terras é, para ele, uma forma de resistência e preservação da memória dos lugares que desapareceram. Muitos dos pontos, como campos de futebol e praças, onde recolheu amostras, já deram lugar a edifícios; as cores, então, tornam-se registros de uma paisagem extinta — testemunhos minerais de um tempo recente. Tito costuma dizer que anda pela cidade com o olhar atento, pronto para parar no meio da rua sempre que vê uma terra diferente — um gesto simples que transforma o cotidiano urbano em território arqueológico.

Entre o gesto ancestral de Marlene, a alquimia artesanal da Joules, as travessias geográficas de Carla e o olhar urbano de Tito, a terra aparece como uma linguagem comum. Em todos eles, há uma mesma intenção de reconexão: não se trata de uma volta romântica à natureza, mas de restabelecer uma aliança interrompida. A arte feita com terra é, antes de tudo, uma forma de pensar o tempo e o pertencimento — o tempo profundo das formações geológicas e o tempo urgente das lutas humanas; o pertencimento a um território e ao próprio planeta.

Nas mãos desses artistas, a terra não é matéria-prima: é corpo, é história, é voz. Suas cores — ocres, verdes, marrons — lembram que ainda há solo sob nossos pés, mesmo quando esquecemos de olhar para ele. Em tempos de crise e exaustão, essas práticas propõem uma pausa, um respiro e um retorno à escuta. Pintar com a terra, escavá-la, moê-la, misturá-la — tudo isso se torna um modo de permanecer no presente e de renovar o pacto entre o ato de criar e a terra que o sustenta.

Beatriz Almeida é especialista em Museologia, Colecionismo e Curadoria, com pesquisa em curadoria acessível. Bacharela em Comunicação Social, com trabalho de conclusão voltado para grafite, ativismo e publicidade. Integra o grupo de estudos de história da arte com Rodrigo Naves e participa do curso de reflexão da pintura com Paulo Pasta. Há seis anos atua nas áreas de comunicação e design no setor cultural, com passagens por galerias, museus e acervos artísticos. Atualmente, é especialista em comunicação na SP-Arte.